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May 06, 2023

Columbias MFA Show ist ein immersives Erlebnis

Es könnte sich so anfühlen, als würden die Messen derzeit die Kunstszene von New York City dominieren.

Man mag den Eindruck haben, dass die Messen derzeit die Kunstszene von New York City dominieren, aber weiter oben in der Stadt präsentieren die 30 MFA-Absolventen der Columbia University ihre Abschlussarbeiten in einer durchdachten Ausstellung, die eine willkommene Abwechslung zu den kommerziellen Messen bietet. „The Unraveling and Exploding of Time, Space, and Matter“, kuratiert von Jasmine Wahi und bis zum 21. Mai, erstreckt sich über zwei Etagen im Lenfest Center for the Arts der Schule und umfasst mehr als nur nebeneinander aufgehängte Gemälde oder gruppierte Kunstwerke beliebige Kategorien. Stattdessen versammelt die Ausstellung unglaublich unterschiedliche Werke in einem Netzwerk immersiver Galerieräume, die alle irgendwie das unmögliche Thema der Ausstellung ansprechen. Was bedeutet überhaupt „die Auflösung und Explosion von Zeit, Raum und Materie“?

Garrett Balls Drucke, Aquarelle und mit Linoleum bedruckte Tapeten greifen den wortreichen Titel der Show schon beim ersten Eintritt auf. Die Installation mit Blick auf die Galerietüren ist eine obsessive und pseudomathematische Analyse westlicher Kunst und der Vorstellung von Zeit mit einem U-Bahn-Drehkreuz und der imposanten Architektur der berühmten Halle der Grand Central Station. Von nun an verwerfen die Künstler diese kanonische Bildsprache weitgehend und stellen ihre Thesenpräsentationen aus nicht-traditionellen Objekten und persönlichen Erinnerungen zusammen.

Eine Sache, die an der Show hervorsticht, ist die Auseinandersetzung einiger Künstler mit der Angst als Werkzeug, um eine tiefere Bedeutung zu vermitteln. Auf der oberen Ebene zeigt Anna Ting Möllers zweigleisige Installation abgetrennte Gliedmaßen, die von der Decke des dunklen Raums hängen, und einen 10-minütigen Videoloop. Der Film verbindet persönliche und Landschaftsbilder, die in China aufgenommen wurden (Möller ist Chinese und Schwede). Die Szenen – flüchtige Blicke auf eine auf einem Tisch stehende Wasserflasche, die Fassade eines Wohnhauses, eine überfüllte Straße, einen ruhigen Fluss und zappelige Hände – rufen eine rasende Erinnerung hervor. Vor dem Video werden Möllers skulpturale Arbeiten teilweise unter Verwendung der Kombucha-Kultur hergestellt. Das Probiotikum wird aus Tee und Zucker hergestellt, zwei Treibern des Imperialismus, und Möller beschreibt ihre Verwendung des Materials als Reflexion über die Kolonialgeschichte.

Zwei Stockwerke tiefer hat Alison Nguyen ein schreckliches halbiertes Auto voller Dreck herbeigerufen. Auf drei in der Nähe befindlichen Leinwänden läuft ein verstörender Film, der das Leben von drei durch künstliche Intelligenz programmierten Frauen verfolgt, deren Erinnerungen gelöscht wurden, durchsetzt mit Anspielungen auf den Vietnamkrieg. In einer Szene sitzen die Frauen auf der Rückbank eines Autos, zu ihren Füßen liegt ein toter Mann in einem Erdhaufen.

Andere Werke sind verspielter. Merry Suns „Wayward Bridge, Westward Sun“ (2023) umfasst drei geneigte Plattformen, an deren Seiten Stahlrohre aufgereiht sind. Die Pfeifen spielen skurrile Töne, während der Betrachter über die wellenförmigen Brücken geht.

Eine weitere beeindruckende Präsentation mit Sound ist Paul Rhos mehrteilige Installation Tidal (2023), die analoge Fotografie und Mondgläser, eine traditionelle koreanische Keramik, verbindet. Lautsprecher in den Gläsern spielen in einer 10-minütigen Schleife schnelle einzelne Töne ab – Aufnahmen von Rho, der auf Keramikglocken schlägt. Die Pings wandern von einem Papiergefäß zum nächsten und ertönen nie gleichzeitig. Die Intervalle zwischen den Noten sind zu lang, um ein Muster erkennen zu können, was das ätherische Werk in eine weitere, etwas beunruhigende Installation verwandelt.

Ich traf Rho in der Nähe seiner Installation, wie er seine Kamera aufstellte, um die Ausstellung für seine Klassenkameraden zu dokumentieren. Als er Tidal schuf, erzählte mir Rho, fragte er sich, wie er „die Fotografie in etwas anderes verwandeln“ könne. Das Projekt begann damit, dass der Künstler Mondgläser auf eine Töpferscheibe warf und sie dann in Maulbeerpapier einwickelte, das mit Fotografien von Korea, wo er aufgewachsen war, bedruckt war. Rho war der Meinung, dass der materielle Aspekt der Arbeit abgeschlossen war, und fügte daher ein Performance-Element hinzu, bei dem er zwei Glocken schlägt, während er die Papiergefäße umstößt, während er traditionelle koreanische Hanbok-Kleidung trägt (die Glocken, das Kleid und ein kleines Video der Performance sind vorhanden). neben den Papierdosen angezeigt).

„Letztendlich kann ich nicht rund um die Uhr arbeiten, daher muss dies in Form einer Installation erfolgen“, sagte Rho. Mit Hilfe eines Freundes nahm er den Klang der Glocken auf und ließ sie in den Mondkrügen erklingen.

Die Columbia MFA-Ausstellung umfasst auch einige exquisite Gemälde, von denen einige über kollektive Geschichten nachdenken und andere zutiefst persönliche Momente wiedergeben. Conor Dowdles „Duo Divorce Club“ (2022) zeigt eine Bar in Brooklyn. Dowdle, der vor Ort zeichnete, erzählte mir, dass die Figuren, die auf den Barhockern saßen, echten Menschen ähnelten. Die Bar sieht mit ihren gelben Farbtönen und der Decke, die mit dem Sonnenstrahlenmuster eines Zirkuszeltes bemalt ist, fast wie ein Jahrmarkt aus. Auch die Figuren selbst wirken vergänglich, lose umrissen und verschwommen, als wären sie in Bewegung.

Andere Werke sind abstrakter. Levi Nelson, ein Künstler aus der Lil'wat Nation in British Columbia, Kanada, fertigte eine Reihe von Ölgemälden an, die indigene Designelemente einbeziehen, darunter die Formlinie des pazifischen Nordwestens und den Schnitzstil der Coast Salish. In seiner Künstlererklärung erklärt Nelson, dass er die europäische Tradition der Ölmalerei gewählt habe, um zu erforschen, was es bedeutet, ein Künstler mit einer Identität zu sein, die „von beiden Seiten unterbrochen, beeinflusst, zerstört und dann wieder zusammengesetzt“ wurde. "

Unten zeigen Li Wangs Gemälde ein einzelnes nacktes Motiv in verschiedenen häuslichen Räumen, die in lebendiges Licht getaucht sind. Kat Lowish schuf auch eine Reihe von Gemälden, die Innenräume darstellen. Sie sind meist ruhig und manchmal surreal und fragen, was in unserer intimsten Umgebung passiert, wenn niemand da ist, um zuzusehen. Kevin Cobbs Serie seltsam geformter Ölgemälde spielt mit Perspektive und Selbstwahrnehmung, indem er mehrere Visionsrealitäten in einzelnen Werken bündelt und die Sicht des Künstlers darstellt, während er die Kunstwerke physisch erschafft.

Vielleicht aufgrund der sorgfältigen Kuratierung durch Jasmine Wahi, die das lokale gemeinnützige Kunstprojekt Project for Empty Space gegründet hat, entführt jede der 30 Präsentationen den Betrachter an völlig unterschiedliche Orte und bleibt dabei einigermaßen zusammenhängend. Was sie zusammenbringt, könnten die gruseligen Echos der Videoschleifen sein, die die Galerien füllen und selbst den leichtesten Werken das Gefühl geben, dass Zeit, Raum und Materie tatsächlich „sich auflösen und explodieren“.

Elaine Velie ist eine Schriftstellerin aus New Hampshire, die in Brooklyn lebt. Sie studierte Kunstgeschichte und Russisch am Middlebury College und interessiert sich für die Rolle der Kunst in Geschichte, Kultur und Politik. Mehr von Elaine Velie